Пика́ссо́ Пабло (Picasso), настоящая фамилия Руис-и-Пикассо (Ruiz y Picasso) (1881-1973), французский живописец. По происхождению испанец. В 1900-х гг. («голубой» и «розовый» периоды, названные по преобладающим цветовым гаммам) создал обострённо-выразительные произведения, посвящённые в основном теме трагического одиночества и обездоленности («Старый нищий с мальчиком», 1903), «романтической отчуждённости» странствующих актёров («Девочка на шаре», 1905). С 1907 основоположник (вместе с Ж. Браком) кубизма; резко деформированные фигуры и предметы изображались как комбинация геометрически простых объёмов и плоскостей («Дама с веером», 1909). С середины 1910-х гг. создавал произведения в духе неоклассицизма, в ряде работ был близок сюрреализму. Гуманистически-элегическая и иррационально-фантастическая линии творчества Пикассо сталкиваются в серии офортов «Минотавромахия» (30-е гг.), в антифашистском панно «Герника» (1937). Много работал как график, скульптор, керамист.

* * *

ПИКАССО Пабло - ПИКА́ССО Пабло (полн. Пабло Руис-и-Пикассо; Ruiz-y-Picasso) (25 октября 1881, Малага - 8 апреля 1973, Мужен, Приморские Альпы), французский живописец, по происхождению испанец. В 1900-х годах («голубой» и «розовый» периоды) создал обостренно-выразительные произведения, посвященные обездоленным людям («Девочка на шаре», 1905). С 1907 основоположник кубизма, с середины 1910-х годов создавал произведения в духе неоклассицизма, в ряде работ близок сюрреализму. Произведения Пикассо иногда полны боли и протеста, имеют большое общественное значение («Герника», 1937), глубокое гуманистическое содержание (рисунок «Голубь мира», 1947). Много работал как график, скульптор, керамист. Международная Ленинская премия (1962). Международная премия Мира (1950).

Годы учения

Учился у своего отца - Х. Руиса, в школах изящных искусств в Ла-Корунье, Барселоне и в Мадридской академии «Сан Фернандо», увлекаясь французским искусством, знакомым по репродукциям. Испытал воздействие анархизма.

В 1900 Пикассо впервые приезжает в Париж, с 1904 живет там постоянно. Выставляется с 1901 у «тетушки Вейль» и у А. Воллара. В это время он уходит от влияния стиля модерн (см. МОДЕРН), которое еще долго сохраняется в манере подчеркивать силуэты фигур, а также в колористической монохромии. Своими «учителями» Пикассо избирает Ван Гога (см. ВАН ГОГ Винсент), Гогена (см. ГОГЕН Поль), Сезанна (см. СЕЗАНН Поль), Тулуз-Лотрека (см. ТУЛУЗ-ЛОТРЕК Анри де). Он начинает писать яркими пастозными мазками в манере протофовизма (см. ФОВИЗМ).

«Голубой» и «розовый» периоды

На годы поездок между Парижем и Барселоной (1901-04) приходится так называемый «голубой период»: в палитре мастера преобладают голубые оттенки. Для картин этого периода характерны образы нищеты, меланхолии и печали (Пикассо считал - «кто грустен, тот искренен»); движения людей замедленны, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901; «Свидание», 1902, обе в Эрмитаже; «Старый нищий старик с мальчиком», 1903, Музей изобразительных искусств, Москва).

В следующий период, получивший название «розового», появляются сцены дружбы, любования красотой обнаженного тела. Произведение переходного периода - от «голубого» к «розовому» - «Девочка на шаре» (1905, Музей изобразительных искусств, Москва).

Кубизм

В 1907 Пикассо создает композицию «Авиньонские девицы» (Музей современного искусства, Нью-Йорк) - большое панно, персонажи которого - посетители и девицы публичного дома в барселонском квартале Авиньон (так полагал поэт А. Сальмон, давший название произведению) - предстают бесполыми существами, некими устрашающими идолами. В произведении сочетаются разные стилистические манеры: розовые фигуры персонажей геометризированы, лики отдельных из них написаны в штриховой манере, имитирующей приемы африканских скульпторов. «Авиньонские девицы» произвели сенсацию, картина положила начало многим экспериментам.

Вкус к резкой, разрушительной деформации оказался знаменем нового века. В 1908-09 Пикассо совместно с Ж. Браком (см. БРАК Жорж), влияя друг на друга, разрабатывают новый стиль - кубизм (см. КУБИЗМ), ставший радикальным поворотом от поисков художественного эквивалента реальности к ее полному пересозданию. Используются нейтральные, преимущественно охристые, серые, коричневые и зеленоватые тона, характерные для живописи Сезанна, но заметно «утяжеленные», помутнелые; они комбинируются в геометрические формулы, обнажая некие изначальные «прототипы» человеческих фигур, вещей и мира природы («Королева Изабо», «Дама с веером», обе 1909; «Портрет А. Воллара», 1910, все в Музее изобразительных искусств, Москва; «Дриада», «Фермерша», «Три женщины», ряд натюрмортов, 1909-10, Эрмитаж).

Первая стадия кубизма получила впоследствии название «аналитической». С 1909 она постепенно перерождается, и в 1913 появляется «синтетическая» стадия, для которой характерны большая цветность форм, стремление к плоскостной трактовке объектов. Начинают преобладать натюрморты, преимущественно с музыкальными инструментами, трубками и коробками из-под табака, нотами, бутылками с вином и т. п. - атрибуты, присущие образу жизни художественной богемы начала века. В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков. Пикассо использует коллаж - вклеивание в холст реклам, этикеток и вырезок из газет; со временем объем инородного материала в картине увеличивается (присыпки песком, вмонтирование кусочков дерева и металла, осколков стекла, использование гипса и т. п.). В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал. В дальнейшем увлечение кубизмом сходит на нет, однако отдельные его черты продолжают сохраняться в картинах до конца жизни художника («Три музыканта», 1921, Музей современного искусства, Нью-Йорк).

Неоклассицизм

Уже в картине «Художник и его модель» (1914) и в ряде рисунков проявился интерес Пикассо к точным контурам и пластике форм. Через три-четыре года неоклассицистические и реалистические тенденции становятся явными для всех. Многих это смущает: новатор, соблазнивший стольких художников, вернулся к традициям. В прессе появились критические заметки о «художнике-хамелеоне». В 1917 Пикассо делает декорации для балета «Парад» Э. Сати (см. САТИ Эрик) (текст Ж. Кокто (см. КОКТО Жан)) в «помпейском стиле».

Женитьба на балерине Ольге Хохловой, рождение сына Поля сопровождаются возвращением к миру ясных, понятных, чуждых драматической экспрессии форм. Поездка в Италию также усиливает интерес к классике. Некоторые рисунки мастер делает по фотографиям. Он отходит от гротескной манеры 1900-х гг., по-иному «активизирует» форму, словно соревнуясь со своим кумиром тех лет - Энгром (см. ЭНГР Жан Огюст Доминик) (этот период нередко называют «энгровским»).

Сюрреализм

При этом в творчестве мастера сохраняется тенденция к одновременным поискам в разных направлениях. Так, в середине 1920-х гг. он испытывает влияние сюрреализма (см. СЮРРЕАЛИЗМ) - пишет несколько полотен с изображением женщин на пляже, в трактовке форм которых соединяет геометрическую манеру кубизма с подчеркнуто витальными элементами. Он продолжает активно заниматься скульптурой, сочетая впечатления от африканской скульптуры с приемами кубизма и сюрреализма.

В 1930 художник делает серию из 30 офортов к «Метаморфозам» Овидия. В 1930-37 создает «Сюиту Воллара»; в числе ста офортов, продолжающих традиции Рембрандта (см. РЕМБРАНДТ) и Гойи (см. ГОЙЯ Франсиско), - сцены с человекобыком, где легендарный обитатель лабиринта Минотавр (см. МИНОТАВР) превращается в «миф Пикассо», ибо художник весьма произвольно трактует древнее сказание.

Война в Испании. «Герника»

В 1937 симпатии Пикассо - на стороне республиканцев, борющихся в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Франко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолетов над позициями франкистов). В апреле 1937 немецкая и итальянская авиация бомбила и разрушила небольшой городок басков (см. БАСКИ) Герника - культурный и политический центр жизни этого свободолюбивого народа. За два месяца Пикассо создает свою «Гернику» - громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. Светлые и темные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. В центре композиции, наподобие фриза, в комбинаторике кубистическо-сюрреалистических элементов показаны павший воин, подбегающая к нему женщина и раненая лошадь. Основной теме сопутствуют изображения плачущей женщины с мертвым ребенком и быком за ее спиной и женской фигуры в пламени с воздетыми вверх руками. В темноту маленькой площади, над которой висит фонарь, протягивается длинная рука со светильником - символом надежды.

Послевоенный период

В 1944 Пикассо становится членом Французской компартии; в первом послевоенном Салоне освобождения для его произведений отводится целый зал. В 1950 он рисует знаменитого «Голубя мира», в 1951 пишет картину «Война в Корее» (собрание семьи художника).

В 1947 Пикассо приезжает в городок Валлорис - традиционный центр керамики на юге Франции. Он изготавливает здесь блюда и сосуды самых разнообразных форм, способствуя возрождению традиционного ремесла. Перед старинным романским собором на торговой площади устанавливается статуя его работы «Человек с ягненком» (1942-44); в крипте храма помещаются живописные панно «Война» и «Мир» (1952). В 1956-57 Пикассо исполняет панно для здания ЮНЕСКО в Париже. Создает ряд произведений для Музея Гримальди в Антибе, который вскоре получает название «музей Пикассо».

В 1960-е гг. Пикассо пишет своеобразные вариации на темы прославленых картин знаменитых мастеров прошлого («Менины» Веласкеса (см. ВЕЛАСКЕС Диего (живописец)), «Расстрел повстанцев» Гойи, «Завтрак на траве» Мане (см. МАНЕ Эдуар) и др.). Трактуя их в гротескно-кубистическом стиле, художник дает волю своей неуемной фантазии, убирая фигуры или добавляя вымышленные. Написанные небрежно холсты «позднего Пикассо» представляют любимые им сцены: художник и модель, образы античной мифологии, натюрморты, цирковые мотивы и мотивы боя быков; часто он обращается к женскому портрету.

Пикассо оказал громадное влияние на художников всех стран, став самым известным мастером в искусстве 20 века.

ПИКАССО, ПАБЛО РУИС И

(Picasso, Pablo Ruiz y)

(1881-1973), испанский живописец, скульптор, гравер, художник по керамике, сценограф. Родился 25 октября 1881 в Малаге (Испания) в семье художника Хосе Руиса Бласко и Марии Пикассо Лопес. В юности Пикассо решил взять более редкую фамилию матери вместо распространенной Руис. Он был необыкновенно одаренным ребенком и уже в четырнадцать лет поступил в Школу изящных искусств в Барселоне, за один день выполнив экзаменационную работу, на которую давался месяц. Учился в Королевской академии искусств Сан-Фернандо в Мадриде. В 1899 Пикассо вернулся в Барселону, где стал завсегдатаем известного кафе "Четыре кота", в котором собирались художники и литераторы. Годы с 1901 по 1904 в творческой биографии мастера получили название "голубого периода" из-за преобладания в его картинах того времени голубой тональности. В эти годы он жил то в Париже, то в Барселоне. Именно тогда началась его многолетняя дружба с поэтом Максом Жакобом и скульптором Хулио Гонсалесом. В 1904 Пикассо поселился в Париже на улице Равиньон, в знаменитом доме Бато-Лавуар ("Плавучая прачечная"), где жили многие художники. В 1904 он познакомился с Фернандой Оливье, ставшей его возлюбленной и вдохновительницей его искусства. В 1905 "голубой период" сменяется "розовым"; Пикассо знакомится с критиком Гийомом Аполлинером и американцами Лео и Гертрудой Стайн. До этого момента жизнь художника была скорее борьбой за существование, но его положение заметно улучшилось, когда в течение нескольких лет русский коллекционер Сергей Щукин приобрел около пятидесяти его работ. В то время Щукин обладал лучшим собранием картин Пикассо в Европе. Такие работы, как Странствующие гимнасты, Девочка на шаре, Потрет Воллара, были приобретены в коллекцию Морозова. В 1907 Пикассо написал картину Авиньонские девицы, которая считается поворотным моментом в изобразительном искусстве 20 в. В том же году он познакомился с Ж.Браком. Брак и Пикассо стали основоположниками и лидерами кубизма. К 1917 относится первый опыт работы Пикассо в качестве театрального художника. Он создал эскизы костюмов и декораций к постановке балета Парад для "Русских сезонов" Сергея Дягилева. В следующем году женился на одной из балерин труппы Дягилева, Ольге Хохловой. В 1920-е годы Пикассо продолжал работать для театра, а также писал картины в разнообразных стилях, от неоклассики до кубизма и сюрреализма. В 1928-1931 Пикассо вместе со своим старым другом Гонсалесом занимался созданием произведений из металлических сварных конструкций. В начале 1930-х годов художник сделал несколько графических серий, в том числе 30 офортов к Метаморфозам Овидия для издательства "Скира" и к Неведомому шедевру Бальзака по заказу коллекционера Амбруаза Воллара. Несколько основных мотивов, которые обычно ассоциируются с творчеством Пикассо, - Минотавр, художник и модель и др., - вошли в знаменитую серию офортов Сюита Воллара, над которой он начал работать в 1930. В эти годы брак Пикассо распался; его новой возлюбленной стала Мари-Тереза Вальтер. В 1936, когда в Испании началась гражданская война, Пикассо стал на сторону республиканского правительства и в подтверждение своей лояльности принял предложение занять почетный пост директора музея Прадо. В конце апреля 1937 мир узнал о бомбардировке Герники, в результате которой маленький баскский городок был стерт с лица земли. Пикассо выразил свое отношение к происшедшему в панно Герника. Оно предназначалось для испанского павильона на Всемирной выставке в Париже, а затем хранилось в нью-йоркском Музее современного искусства. В 1981, через шесть лет после смерти Франко, картина была передана в Прадо. Во время Второй мировой войны Пикассо жил в Париже вместе с Франсуазой Жило, которая родила ему двоих детей. В 1946 мастер обратился к искусству керамики и практически собственными силами возродил в городке Валлорис на Ривьере некогда процветавшее там керамическое ремесло. Пикассо всегда интересовался новыми технологиями, а в 1947-1950 разработал особую технику литографии. В 1944 художник вступил во Французскую коммунистическую партию. Политические убеждения Пикассо, нашедшие отражение в Гернике, вновь проявились в картине Война в Корее (1951) и двух больших панно Война и Мир (1952), созданных для украшения Храма Мира в Валлорисе. В 1950-е годы прошло несколько ретроспективных выставок Пикассо; тогда же он познакомился с Жаклин Рок, на которой женился в 1961. В 1950-1960-е годы художник вступил в диалог с великими мастерами прошлого: в 1954-1955 он написал несколько вариаций на тему картины Делакруа Алжирские женщины, в 1957 - Менин Веласкеса, а в 1959-1960 - Завтрака на траве Мане. В 1960-е годы Пикассо создал монументальную скульптурную композицию высотой 15 м для общественного центра в Чикаго. В 1970 художник подарил более восьмисот своих произведений музею-дворцу Агилар в Барселоне. Пикассо умер в Мужене (Франция) 8 апреля 1973. Уже первые рисунки Пикассо, выполненные в барселонской художественной школе и Академии Сан-Фернандо, выглядят как произведения мастера, полностью владеющего техникой рисунка. В картине Мулен де ла Галетт (1900) чувствуется интерес девятнадцатилетнего художника к ночной жизни Парижа, особенно такой, какой ее изображал Тулуз-Лотрек. С начала 1900-х годов в творчестве Пикассо принято выделять несколько периодов, которым по огромному стилевому разнообразию и различию формального строя вряд ли можно найти параллели у других художников. Картины Пикассо "голубого периода" отражают мир одинокого человека. Иногда в работы художника проникают лирические нотки, например в картине Голубая комната (1901, Вашингтон, галерея Филипс), но более типичны для этого периода его творчества мотивы нищеты и крайней усталости. На картине Старый гитарист (1903, Чикаго, Художественный институт) изображена удлиненная, болезненно согнутая фигура. Всепроникающий голубой цвет - визуальный аккомпанемент меланхолической мелодии. Загадочность и задумчивость, разлитые в произведениях Пикассо этих лет, словно достигают предельной концентрации в большом холсте Жизнь (1903, Кливленд, Музей искусства). Молодая пара с грустью смотрит на женщину, держащую на руках ребенка. "Розовый период" (1905-1906) отмечен радикальной переменой цвета и настроения в творчестве Пикассо. Голубоватый тон работ предшествующего периода уступил место нежным оттенкам розового и серого в сочетании с яркими цветами. В эти годы Пикассо часто изображал клоунов, акробатов и бродячих цирковых артистов. Картина Семья бродячих циркачей (1905, Вашингтон, Национальная галерея) на первый взгляд кажется свободно и широко написанной яркой виньеткой из фигур акробатов. Вглядевшись внимательнее, зритель замечает, что каждый персонаж психологически отделен от остальных и здесь царит атмосфера одиночества. К этому периоду относятся также многочисленные гравюры и первая серия скульптур. В работах, выполненных летом 1906 в местечке Госол в испанских Пиренеях, впервые появляются симптомы решительного разрыва с классической традицией. Как Гоген, Бранкузи и фовисты, Пикассо почувствовал необходимость начать сначала, обратившись к наивному, примитивному искусству. Мягкая элегантность сменилась брутальностью массивных и жестких форм. Фигуры приобрели пластические качества древней иберийской скульптуры. Первобытная мощь чувствуется и в Портрете Гертруды Стайн (Нью-Йорк, музей Метрополитен), и в Автопортрете (1906, Филадельфия, Художественный музей). Картина Авиньонские девицы (1906-1907, Нью-Йорк, Музей современного искусства), которую Пикассо решился выставить лишь много лет спустя после ее создания, является одним из самых революционных произведений начала 20 в. На первый взгляд, это всего лишь вариация традиционного сюжета - купальщицы на фоне пейзажа. Однако нарочитые смещения форм создают эффект, автономного пространства. Холст более не рассматривается как окно в иллюзорное пространство. Картина теперь не считается подражанием природе и вообще чему бы то ни было; отныне она самоценный, независимый объект. В картине Авиньонские девицы изображение состоит из нескольких фрагментов живописных плоскостей, которые оказываются не жестко скрепленными, а находящимися в свободном движении друг относительно друга. Если зритель смотрит на верхний правый угол картины, он с большим трудом может обнаружить плоскости, разграничивающие объемы предметов и пустое пространство. Такого разделения - одного из основополагающих понятий для всей предшествующей западноевропейской живописи - в этой работе не существует. Искаженные формы со срезанными углами и совмещением фрагментов разных пространственных планов передают ощущение необработанности первичной материи. В поисках первобытной энергии и мощи Пикассо, как уже отмечалось, обращался к мотивам иберийской скульптуры и африканских резных деревянных масок - формам примитивного искусства, которые в начале века вызывали огромный интерес у парижских художников и любителей искусства. Замысел и композиция картины Авиньонские девицы соответствуют эстетике кубизма - направления в искусстве, которое создали ок. 1909 Пикассо и Брак. Первая фаза развития этого течения (1909-1912) получила название " аналитический кубизм ": предметы, все еще узнаваемые, как бы разложены на составляющие их абстрактные геометрические формы. Направление развития кубизма на ранней стадии можно последовательно проиллюстрировать картинами Пикассо : Сидящая женщина (1909, Лондон, коллекция Пенроуз), Портрет Канвайлера (1910, Нью-Йорк, частное собрание) и Моя красавица (1911, Нью-Йорк, Музей современного искусства). Постепенно сюжет теряет свое значение ; различие между предметами и свободным пространством исчезает, композиция становится все более дробной. Вопреки расхожему мнению, в цели Пикассо и Брака не входило изображение предмета одновременно с разных точек зрения. Скорее они стремились использовать предметы как средство исследования новых пространственных отношений, которые могли существовать только внутри самой картины и не были связаны со зрительным восприятием реального мира. Пикассо никогда окончательно не отказывался от сюжета, поскольку смысл кубизма во многом заключается в исследовании отношения произведения искусства к реальному миру. Например, в Натюрморте на плетеном стуле композиция, вписанная в овал, обрамлена настоящей веревкой ; внутри картины оказываются сопоставленными острые кубистические плоскости, буквы JOU и то, что призвано изображать плетеное кресло (кусок клеенки от дешевой мебели). Буквы JOU можно интерпретировать как начало слова journal (газета) или понимать дословно ( jou - корень французского слова jouer - играть). Картина действительно является игрой, так как художник предлагает зрителю сопоставить различные уровни реальности : кусок настоящей веревки, плетенку от кресла и живописную поверхность. Начиная с 1912 кубизм принимает новое направление развития и получает название " синтетического кубизма ". Процесс разложения форм на небольшие фрагменты сменился декоративностью, превращающей картины в плоскостные красочные панно. С 1912 широко используется техника коллажа (т.е. построения композиций из кусочков бумаги и других материалов, наклеенных на холст). В этом жанре Пикассо достиг замечательных результатов, дополняя живописные композиции подходящими по смыслу газетными иллюстрациями или фрагментами текстов. Например, он наклеивал на холст фотографию рыбацкого судна так, что получалось, будто корабль ловит рыбу в нарисованном бокале вина. Пространство больших картин, созданных между 1913 и 1919, таких, как Арлекин (Нью-Йорк, Музей современного искусства), заполнено яркими контрастными пятнами цвета ; подобные декоративные эффекты уже далеко отстоят от головоломок аналитического кубизма. Высшее достижение в этом стиле - две картины с одинаковым названием Три музыканта, созданные в 1921 (Нью-Йорк, Музей современного искусства; Филадельфия, Музей искусства). Для Пикассо в течение всего его долгого творческого пути было характерно стремление работать в нескольких разных стилях одновременно. Особенно ярко это проявилось в конце 1910-х - начале 1920-х годов, когда Пикассо одновременно с кубистическими композициями создавал изысканные и утонченные рисунки, такие, как Купальщицы (Кеймбридж, шт. Массачусетс, музей Фогг). В кубизме подчеркивалась плоскостность изображенного пространства, а на позднем этапе развития стиля оно стало заполняться яркими цветными пятнами. Однако, когда Пикассо хотел передать мощь скульптурных форм, он обращался к классической стилистике, напоминавшей некоторые из его картин 1905-1906. Две сидящие женщины (1920, Нью-Йорк, частное собрание) - характерный пример работы в этом направлении. Крупные простые формы моделированы светом и тенью, что создает монументальный образ, почти столь же скульптурный, сколь и живописный.

Сюрреализм. В серии женских портретов 1920-х годов художник бросает вызов обычным представлениям о строении человеческого тела. В картине Сидящая женщина (Нью-Йорк, Музей современного искусства) наложение форм друг на друга столь запутанно, что трудно решить, одна или две модели представлены на полотне и не раздвоилась ли изображенная фигура. Изображение головы женщины представляет собой соединение черт, показанных в фас и в профиль. Такая неопределенность физического и одновременно психологического порядка сближает Пикассо с художниками-сюрреалистами. Еще более тесная связь с этим направлением в искусстве чувствуется в работах биоморфной стилистики конца 1920-х годов, широко использующей мотив костей. На одной из самых знаменитых картин этого стиля, Женщина на пляже (1929, Нью-Йорк, Музей современного искусства), изображены высохшие белые кости на фоне абстрактно трактованного моря. Женские портреты начала 1930-х годов отличаются яркостью цветовой гаммы и плавностью линий, но, как и в работах конца 1920-х годов, их содержание выходит за рамки буквального смысла. Яркие одежды и плавные изгибы тела в картине Девушка перед зеркалом (1932, Нью-Йорк, Музей современного искусства) делают этот образ близким к гедонистическому мироощущению Матисса. Величайшее произведение 1930-х годов и одна из вех в истории искусства 20 в. - панно Герника - было создано в 1937. Впервые Пикассо обратился к теме Минотавра в серии офортов, сделанных по заказу Воллара, а затем в картинах, посвященных корриде. Наиболее символичен большой офорт Пикассо Минотавромахия (1935). В центре изображена лошадь, волочащая за собой тело убитой женщины-матадора. Ее преследует разъяренный Минотавр, огромной рукой он пытается заслонить свечу, которую несет маленькая девочка с букетом цветов. Позади девочки мужчина ставит лестницу, а сверху две девушки и белый голубь наблюдают за происходящим. Трудно найти простое, лежащее на поверхности объяснение изображенного, но можно выделить главные смысловые антиномии: сила и хрупкость, молодость и смерть, свет и тьма, невинность и пресыщенность - в общем, добро и зло в своих самых глубоких проявлениях. В 1937 Пикассо создал два офорта, Мечты и Ложь генерала Франко, каждый из которых состоит из девяти сцен. Действующие лица трагедии ясно обозначены: измученная лошадь, нетерпеливый бык, деформированные чудовища, плачущие женщины и истерзанные трупы детей. Развитие тем корриды, Минотавра и непримиримого противостояния добра и зла достигло апогея в панно Герника, огромном холсте длиной 3,6 м, написанном в знак протеста против бомбардировки баскского городка. Эта картина обладает суровой мощью. Лица людей показаны словно на осколках плоскостей в резкой черно-бело-серой цветовой гамме. Сюжет панно - боль и человеческое страдание. Здесь нет победителей и побежденных, нет противостояния правых и виноватых. Мы не знаем, где мы и в каком времени. На картине изображен перевернутый мир, мир страданий, где лошадь и всадник одинаково измучены. Перед неумолимой безликой силой современной войны отдельные личные трагедии сливаются в одну общую беду. Использование черного и белого, буквы на крупе лошади - все это напоминает газету, с холодной бесстрастностью и объективностью сообщающую людям об ужасах войны. 1930-е годы стали кульминацией развития творческой фантазии мастера. После Герники Пикассо написал десятки прекрасных полотен, в том числе портреты своих детей и жены Жаклин, но лишь в немногих из них брался за решение новых задач. Следует отметить такие произведения, как проникнутая лиризмом картина Радость жизни (1946, музей Пикассо в Антибах) и отличающиеся декоративной непритязательностью панно Война и Мир, созданные в 1952 в Валлорисе. В Портрете мадам З., картине Голуби и вариациях на сюжеты произведений художников прошлого проявляется вкус Пикассо к ярким цветам, узору и декоративности. Керамика, которой он начал заниматься в Валлорисе в 1946, свидетельствует о желании мастера овладеть новым материалом, как и работы конца 1940-х годов в технике литографии и созданные позднее линогравюры. На протяжении всей своей жизни Пикассо периодически обращался к скульптуре. В 1912 он начал создавать конструкции из листового железа, картона, проволоки и дерева. В этом жанре, так же, как и в кубистической живописи, он стремился исследовать взаимоотношения предметов и пространства. В конструкциях 1910-х годов и в скульптуре из проволоки конца 1920-х годов главной художественной проблемой была организация внутреннего пространства и соединение частей друг с другом, а не традиционная для скульптуры передача объема. В 1931 и 1932 искривленные формы в живописных работах мастера обрели параллель в скульптуре в серии массивных женских голов. Позже Пикассо лишь изредка обращался к этому виду искусства, интерес к нему возобновился во время войны. В течение следующей четверти века его скульптурные работы были очень разнообразны: от сложных камерных композиций, исполненных нередко в юмористическом ключе, до монументальных произведений. В скульптуре Пикассо особенно занимало удивительное превращение обычных вещей и материалов в произведения искусства, что нашло отражение еще в работах периода кубизма. Велосипедное седло и руль непостижимым образом превращаются в голову быка (1943); фигура женщины, толкающей детскую коляску, возникает из собранных вместе случайно найденных вещей (1950), а у Обезьяны с детенышем (1951) голова сделана из детской игрушечной машинки.

ЛИТЕРАТУРА

Пикассо. Сборник статей о творчестве. М., 1957 Дмитриева Н.А. Пикассо. М., 1971 Диль Г. Пикассо. М., 1995 Мейлер Н. Портрет Пикассо в юности. М., 1998

Составить слова из слова пикассо пабло